Antanas Sutkus: Daily Life Archives 1959-1992 (exposición)

Hoy vengo a presentaros la exposición "Daily Life Archives 1959 - 1992", del fotógrafo lituano Antanas Sutkus, que tiene lugar en la Galería Oliva Arauna. Es la primera exposición individual de la galería tras su reapertura después de más de un año clausurada por problemas con las autoridades por desacuerdos sobre la fachada.

Marathon on University Street, Vilnius, 1959.
Gelatina de plata. 60 x 40 cm.

Amparo Sard (reseña de exposición)

Hoy os traigo otra exposición del Museo ABC, esta vez sobre la artista Amparo Sard. La exposición se encuendra dentro del programa Conexiones -un proyecto conjunto del Museo ABC y la Fundación Banco Santander que lleva desarrollándose ya tres años-, que nos presenta a un artista contemporáneo en cuya obra la vinculación con el dibujo sea significativa. En esta exposición, la sexta del programa, nos acercan a la mallorquina Amparo Sard en la que es la primera revisión importante de su obra en la capital (a pesar de exponer frecuentemente en el extranjero).

La obra de la artista se caracteriza por la técnica que utiliza y por su iconografía. Prácticamente toda su obra -salvo algunas excepciones en las que emplea otros lenguajes como la instalación y la videocreación- puede ser encuadrada dentro del dibujo. Un dibujo que emerge del papel a través de la punción del mismo, sin ayuda de trazos o cualquier otro elemento gráfico. Las imágenes se hacen visibles a través de miles de agujeros, más o menos profundos, a veces abultando el papel pero sin llegar a realizar la incisión, que conforman las líneas, las sombras y los relieves.

Amparo Sard, La otra, 1
2013, papel perforado

El universo de Benjamin Lacombe (reseña de exposición)

Hoy vengo a recomendaros la exposición El universo de Benjamin Lacombe, que tiene lugar en el Museo ABC. La primera en España sobre la obra de este ilustrador francés (que ya había expuesto su trabajo en ciudades como París, Tokio o Nueva York).

Nacido en París en 1982, recibe su formación artística en la Escuela Nacional de Artes Decorativas de París, donde es admitido en 2001. Al mismo tiempo, trabaja en publicidad y animación, firmando a los diecinueve años su primer cómic e iniciando su carrera en la ilustración de libros. En 2006 edita su proyecto de final de curso y primer libro juvenil, Cerise griotte, que le concede la fama al ser considerado por la revista Times Magazine como uno de los mejores libros juveniles del 2007 en Estados Unidos. Son muchos los libros que ha escrito e ilustrado desde entonces, entre los que podemos destacar Los amantes mariposa o la versión ilustrada de los Cuentos macabros de Edgar Allan Poe; muchos le conoceréis por haber ilustrado la portada de La mecánica del corazón, de Mathias Malzieu.

Los amantes mariposa, Benjamín Lacombe, Los amantes mariposa, 2008.
Gouache y óleo sobre papel.

Georges Méliès. La magia del cine (reseña de exposición)

Hoy os traigo otra reseña sobre una exposición que tiene lugar en el CaixaForum hasta el 8 de diciembre, una exposición muy, muy recomendable.

Georges Méliès (1861-1838) fue un dibujante, mago, director de teatro, actor, decorador, técnico, productor, realizador y distribuidor de más de quinientas películas entre 1896 y 1912. Su papel en la historia del cine fue fundamental, pues introdujo el sueño, la magia y la ficción prácticamente en los orígenes del cine, cuando éste era casi exclusivamente documental; genio de los efectos especiales, recurrió a todas las técnicas del ilusionismo consiguiendo resultados que, de no ser porque podemos ver sus películas, pensaríamos imposibles para la época. Enfrentándose a los hermanos Lumière, que consideraban que el documental era el único valor del nuevo invento, Georges Méliès se atrevió a creer que "Las películas tienen el poder de capturar los sueños".

Georges Méliès, Autorretrato caracterizado de Mefistófeles
para la película La damnation du docteur Faust, 1904.
La Cinémathèque française. Foto: Stéphane Dabrowski.

Seducidos por el arte (reseña de exposición)

Hoy os traigo otra reseña, aunque esta vez viene después de que la exposición haya terminado. Así que aunque espero que os parezca tan interesante como a mí, no vais a poder ir a verla.

Bajo el título Seducidos por el arte. Pasado y presente de la fotografía, el CaixaForum -en colaboración con la National Gallery de Londres- nos acerca al tema del arte como fuente, el arte del pasado como inspiración y origen de la fotografía, las obras de otras épocas como lugar de inspiración de los medios de expresión de nuestro tiempo, ese tema que últimamente me absorbe completamente.

A lo largo de la muestra se establecen tres niveles: el arte (en el sentido más tradicional), la fotografía de los pioneros y la fotografía actual; un triple nivel de expresión de unos mismos temas a través de medios radicalmente distintos que permiten una interpretación completamente distinta partiendo de un mismo punto. Distintos recursos para los mismos temas, que no son sino los que siempre han interesado al ser humano.

Ignace-Henri Théodore Fantin-Latour, La exhuberancia rosada de junio, 1886

Lacas Namban: huellas de Japón en España (reseña de exposición)

La exposición Lacas Namban: huellas de Japón en España, que tiene lugar en el Museo de Artes Decorativas de Madrid, se enmarca dentro de las actividades llevadas a cabo dentro del Año Dual España-Japón, 400 Años de Relaciones, en homenaje al IV centenario de la Embajada Keicho. Dentro de este mismo marco encontramos las exposiciones Estampas japonesas en el Museo del Prado, Japonismo: la fascinación por el arte japonés (ahora mismo expuesta en el CaixaForum de Barcelona y que llegará próximamente a Madrid) o la muestra de algunas piezas normalmente fuera de exposición en el Museo de Antropología de Madrid (un wakizashi, su funda y algunas guardas).

La muestra se divide en dos partes: la primera de ellas, de carácter fundamentalmente histórico, establece el marco en el que se desarrollaron las piezas artísticas que se exponen en la segunda parte de la exposición.

Impresionismo y aire libre: de Corot a van Gogh (reseña de exposición)

Soy un desastre, lo sé, y decir que tengo el blog un poco abandonado es ser bastante indulgente. Quería haber publicado esta entrada hace unas semanas, cuando fui a la exposición, para animaros a todos a ir, pero entre unas cosas y otras lo he ido dejando y lo cierto es que ya no podéis acercaros. De todos modos aquí queda esto, por si interesa el tema (y porque llevo toda la tarde sumergida en la historia del cine y -por mucho que me guste- necesitaba distraerme un rato).

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"Impresionismo y aire libre", reza el título de la exposición. Bien, antes de nada he de decir que el título me parece... atrevido, quizás oportunista, como queriendo atraer al público con la palabra "Impresionismo", quizás movido por la exposición "Impresionistas y postimpresionistas". Creo que un "Aire libre: de Corot a van Gogh" habría sido bastante más acertado y acorde con la exposición.

La exposición presenta al espectador la problemática de la pintura al óleo al aire libre, -que si bien alcanzó su máximo esplendor con los impresionistas, no les fue ni mucho menos exclusiva, siendo frecuente desde el siglo XVIII entre los paisajistas-, y cómo esas obras pasaron de ser meros esbozos, pasos previos a la obra final -realizada en el taller- a obras completas de pleno derecho -quedando muy relegado el trabajo de taller hasta comienzos del siglo XX, cuando irrumpen las vanguardias-.

Cartografías contemporáneas: dibujando el pensamiento (reseña de exposición)

"En los mapas que representan nuestra vida no hay fronteras entre lo sentido y lo real." 

La exposición recoge más de ciento cuarenta obras de muy distintos formatos procedentes de diversos museos de arte contemporáneo, colecciones privadas y colecciones personales de los artistas. Pese a lo que, de primeras, pueda sugerir el nombre de la exposición –Cartografías contemporáneas– las obras que nos encontramos no son sólo mapas y planos en el sentido estricto de la palabra, sino que comparten espacio con pinturas y dibujos, tapices, fotografías, arte digital y vídeoinstalaciones, que podemos considerar mapas en tanto que proyección bidimensional de algo que no lo es.

En cuanto a los artistas, conviven obras de algunos de los más grandes artistas del siglo XX –como Salvador Dalí, Yves Klein o Marcel Duchamp–, con un importante número de artistas de plena actualidad y algunos nombres en principio alejados del discurso artístico –como Lewis Carrol o Santiago Ramón y Cajal–.

La exposición se estructura en varios apartados. El primero de ellos, más general, aborda la cartografía de lo real en sentido más estricto, entendiendo los mapas como una traducción del espacio físico que nos ayuda a entender la realidad. Está ilustrado con varios mapas del siglo XVIII y la Ocean chart de Lewis Carroll, un mapa con todas las características propias de los mapas, pero que no representa nada. Pero también mapas distintos a los habituales que nos ofrecen nuevas interpretaciones del mundo que ya conocemos: Otro mundo de Isidro Valcárcel Medina, Map with circles de Lothar Baumgarten o Un cuchillo lanzado desde un punto cualquiera de Portugal sobre un punto no cualquiera de Europa de Arthur Barrio.

Lewis Carroll, Ocean chart.

Rothko y el silencio

Quizás es porque tengo sólo veintidós años y aún me quedan muchas visitas, pero cada vez que voy al Museo Reina Sofía descubro una obra en la que no había reparado hasta entonces (y me pierdo, siempre que voy al Reina, me pierdo); en una sala que conozco de repente me fijo en un cuadro al que hasta entonces no había prestado atención. Ayer volvió a pasarme, pero esta vez sí que no me lo esperaba, no entiendo como había podido esconderse de mí un Rothko hasta este momento.

Quizás, y en realidad a esto viene la entrada de hoy, es por cómo está montada la sala dónde se encuentra. Supongo que en esto, como en tantas otras cosas, cada historiador -o proyecto de- tiene su opinión. Habrá a quien le encante cómo está montado, pero a mí me parece un error garrafal (y no sabéis lo raro que me resulta alzar la voz con cosas como ésta, alzar la voz para contradecir a quienquiera que haya montado esa sala que seguro que es un señor importantísimo). 

Al lado de nuestro Rothko se proyecta La ventana indiscreta, y cuando digo al lado, es al lado. En un museo de arte contemporáneo es fundamental integrar al cine y la fotografía, forman parte del discurso, de los modos de pensar, de la época que los produjo. El problema -o, más que problema, circunstancia- es que el cine requiere de una sala oscura y emite sonido. ¿Es un problema? Pues montar una sala de paredes negras y separada del resto para que no moleste el sonido no debería ser un problema. Supongo que ese señor tan importante quiso dejar muy claro que todas las manifestaciones eran parte de lo mismo, que se produjeron de forma simultánea y entretejida. Pero Rothko -para mí- requiere de un espacio propio, casi apartado. Tenemos que poder detenernos frente a su obra y contemplarla en silencio durante un rato. Contemplarla hasta que nos sumergimos en la pintura, hasta que el color nos envuelve, hasta que podemos escuchar esos límites difusos y vibrantes y el silencio deja de ser silencio.

Untitled (orange, plum, yellow), 1950

P.D.: pongo el cuadro porque me parece lo lógico, pero la imagen no le hace justicia (nunca lo hacen, pero en este caso menos aún).

Bienvenidos

Bienvenidos. Aunque aún huela todo a nuevo, a madera, barniz y a recién pintado.

Este rincón nace para recoger el testigo de parte de todo lo que vertía en el fotolog, todo lo que no tiene cabida en mi otro blog. El cine, la literatura, la música, el arte... Y cualquier otra cosa que me apetezca compartir, o sobre la que simplemente me apetezca escribir.

Bienvenidos a mi pequeño Jardín de las Delicias.